Saturday, March 07, 2009
Slumdog Millionaire - El gran exito comercial de Danny Boyle
Slumdog Millionaire – Danny Boyle (2.008)
Danny Boyle siempre ha sido un cineasta innovador. Sus películas “Trainspotting” y “Shallow Grave” fueron muy bien recibidas por la critica a pesar de ser un tanto oscuras, o mas bien poco convencionales. A mi me gustaron ambas, pero claro, yo siempre he tenido una fuerte inclinación hacia todas aquellas películas que intenten salirse de lo común, y mientras mas crudas y oscuras, mejor.
Unos años mas tarde, dirigió “28 Days After”, aquella sensacional película futurista sobre un virus que produce rabia en las personas, que se vuelven como zombies hambrientos. La escena del comienzo, donde el protagonista se levanta de su cama de hospital para encontrar el sitio vacío, y la ciudad de Londres de igual manera, fue excelente. Aunque se pasó al lado mas comercial del espectro, todavía tuvo originalidad poniendo en escena un tema tan trillado como ese.
Ahora, con “Slumdog Millionaire”, Boyle ha decidido apelar al cine mas comercial y pensando en la taquilla. Sobre todo la de un potencial mercado hindú de 800 millones de personas. La diferencia es que lo hace de una manera muy inteligente y siempre mostrando sus grandes dotes como director.
Primero que todo, la manera en que narra la historia, comenzando por el final y reconstruyendo la vida del protagonista a través del concurso, es muy bien lograda. Por otra parte, con un casting impecable hace que el espectador se identifique de inmediato con los niños y el muchacho ya adulto. Desde la escena en que el pequeño salta dentro de la letrina con su mano alzada para no dañar la foto, todo el público se pone inmediatamente de su lado. De igual manera, Boyle logra que los espectadores se solidaricen con el joven mientras concursa, estableciendo un fuerte nexo entre ambas partes a lo largo de la cinta.
Lo que yo mas admire en esta película fue como Boyle logro mostrar la crudeza de la vida en los barrios pobres de Mumbai sin tener que hacer apología de la pobreza ni recurrir a intensas y gráficas escenas que no habrían logrado mayor efecto que el de posiblemente asquear a los espectadores. Nos muestra si la terrible condición en que se vive en esos lugares (que ya conocemos localmente en Venezuela), pero nunca cayo en la utilización de recursos gráficos e impactantes. Y miren que a Boyle no le tiembla el pulso para recurrir a ellos. En este filme simplemente apunto a otro mercado y por supuesto a una audiencia mas amplia que la de aquellos como yo que se recrean viendo películas oscuras, crudas y poco convencionales.
Me pareció igualmente simpático el final, donde salen todos los actores bailando una coreografía con música hindú. Este fue un pequeño homenaje al cine de Bollywood, la gran industria de cine de la India, que produce anualmente más películas que el mismo Hollywood.
En definitiva es una película altamente recomendable, que nos mantiene entretenidos y que fue hecha de manera muy inteligente.
Esa es, al menos, mi opinión. Y puedo estar equivocado.
Danny Boyle siempre ha sido un cineasta innovador. Sus películas “Trainspotting” y “Shallow Grave” fueron muy bien recibidas por la critica a pesar de ser un tanto oscuras, o mas bien poco convencionales. A mi me gustaron ambas, pero claro, yo siempre he tenido una fuerte inclinación hacia todas aquellas películas que intenten salirse de lo común, y mientras mas crudas y oscuras, mejor.
Unos años mas tarde, dirigió “28 Days After”, aquella sensacional película futurista sobre un virus que produce rabia en las personas, que se vuelven como zombies hambrientos. La escena del comienzo, donde el protagonista se levanta de su cama de hospital para encontrar el sitio vacío, y la ciudad de Londres de igual manera, fue excelente. Aunque se pasó al lado mas comercial del espectro, todavía tuvo originalidad poniendo en escena un tema tan trillado como ese.
Ahora, con “Slumdog Millionaire”, Boyle ha decidido apelar al cine mas comercial y pensando en la taquilla. Sobre todo la de un potencial mercado hindú de 800 millones de personas. La diferencia es que lo hace de una manera muy inteligente y siempre mostrando sus grandes dotes como director.
Primero que todo, la manera en que narra la historia, comenzando por el final y reconstruyendo la vida del protagonista a través del concurso, es muy bien lograda. Por otra parte, con un casting impecable hace que el espectador se identifique de inmediato con los niños y el muchacho ya adulto. Desde la escena en que el pequeño salta dentro de la letrina con su mano alzada para no dañar la foto, todo el público se pone inmediatamente de su lado. De igual manera, Boyle logra que los espectadores se solidaricen con el joven mientras concursa, estableciendo un fuerte nexo entre ambas partes a lo largo de la cinta.
Lo que yo mas admire en esta película fue como Boyle logro mostrar la crudeza de la vida en los barrios pobres de Mumbai sin tener que hacer apología de la pobreza ni recurrir a intensas y gráficas escenas que no habrían logrado mayor efecto que el de posiblemente asquear a los espectadores. Nos muestra si la terrible condición en que se vive en esos lugares (que ya conocemos localmente en Venezuela), pero nunca cayo en la utilización de recursos gráficos e impactantes. Y miren que a Boyle no le tiembla el pulso para recurrir a ellos. En este filme simplemente apunto a otro mercado y por supuesto a una audiencia mas amplia que la de aquellos como yo que se recrean viendo películas oscuras, crudas y poco convencionales.
Me pareció igualmente simpático el final, donde salen todos los actores bailando una coreografía con música hindú. Este fue un pequeño homenaje al cine de Bollywood, la gran industria de cine de la India, que produce anualmente más películas que el mismo Hollywood.
En definitiva es una película altamente recomendable, que nos mantiene entretenidos y que fue hecha de manera muy inteligente.
Esa es, al menos, mi opinión. Y puedo estar equivocado.
Wednesday, March 04, 2009
La realidad desde la perspectiva de una nina
El Laberinto del Fauno - Guillermo del Toro (2.006)
De vez en cuando, y de verdad muy de vez en cuando, surgen peliculas que nos marcan. Bien sea por su historia, su contenido o porque por alguna razon muy personal hicieron contacto intimo con nuestros sentimientos. En mi caso, este filme del mexicano Del Toro realmente me mantuvo casi sin respirar por 119 minutos por la perfeccion del mismo. Una historia excelente, narrada de formas impecable en dos tiempos. Actuaciones muy buenas, una fotografia que crea un ambiente magico y para complementar una musica excelente.
Esta historia narra como una nina escapa de la crudeza de la Guerra Civil y de su realidad personal refugiandose en un cuento de hadas que se invento ella misma. Personajes fantasticos y tareas imposibles que se ve forzada a superar le ayudan a sobrevivir los dias tan terribles que vive para al final morir y convertirse en la princesa que ella creia que en realidad era.
La crueldad del Capitan, del franquismo fascista, nos hace recordar que la violencia y represion son terribles sin importar de que lado del pendulo politico se encuentre. Tan perversa es la dictadura de izquierda como la derecha, sin importar el motivo que las impulsa.
Los monstruos y demas personajes fantasticos parecen haber sido hechos por el mejor experto en maquillajes de Hollywood, y el manejo de la luz en las distintas tomas ayudan a crear ese ambiente magico que rodea la historia de la nina.
En una epoca en que las recetas de Hollywood se tornan insoportables a ratos, yo bendigo el momento en que me encuentro con un filme asi. Desde que comienza uno no sabe que es lo que va a pasar el siguiente minuto, y la historia se va tejiendo de manera muy fina, llevandonos de la mano a traves de eventos sorprendentes y crueles gracias a un guion estupendo y actuaciones sobresalientes.
En resumen, una de las mejores peliculas que he visto en muchisimo tiempo.
Esa es, al menos, mi opinion. Y puedo estar equivocado.
Wednesday, March 28, 2007
Una comedia totalmente inesperada
Little Miss Sunshine - Johnatan Dayton y Valerie Faris (2.006)
Aunque yo nunca le paro mucho a los Oscars, debo reconocer que este año en particular me gustaron la mayoría de las películas nominadas en los varios renglones. Y esto sucedió por una razón en particular. Casi ninguna de estas cintas estaba signada por la receta hollywoodense mediante la cual uno puede predecir, desde el principio de la película, casi todo lo que va a suceder. No se si seria la presencia de directores extranjeros, o el nuevo auge del cine independiente, pero el leit motif de una buena parte de esas películas (las que yo he logrado ver) lo constituyo la premisa de hacer algo diferente a lo usual. Little Miss Sunshine no escapo a este predicamento.
Una familia totalmente disfuncional en la cual una madre trata de juntar a un abuelo drogadicto, un tío homosexual suicida, un hermano sociópata y un padre perdedor mientras la hija pequeña (Olive) sueña con ser una perfecta Miss América en miniatura y se muestra ajena a la tensa situación que se genera a su alrededor.
Ese grupo familiar tan disímil y totalmente incomunicado entre sí se reúnen en torno a la niña para acompañarla al concurso de belleza que será al otro lado de los Estados Unidos. Es durante este viaje que las diferencias entre todos se acercan, y ese grupo tan falto de esperanza se aglutina en torno al deseo de ver a la pequeña Olive competir. Durante el accidentado viaje sucede todo tipo de cosas que empeoran aún la situación particular de todos en el grupo (el abuelo incluso muere), pero eso no los detiene en su afán de complacer a Olive en concursar.
La secuencia del concurso es excelente. Un montón de niñas maquilladas y peinadas como si fueran misses reales desfilan en el ambiente más frívolo que se pudiese imaginar ante la admiración de sus padres. Olive desde el principio se antoja como desubicada en el grupo. Durante la competencia de talentos, la niña baila una coreografía ensayada con el abuelo, que nadie más conocía, bajo el tema “Superfreak” del recientemente fallecido y problemático Rick James. El atrevido baile, nada apropiado para el evento, causa revuelo entre los almidonados presentes, y hace que la familia completa se suba al escenario a acompañar a Olive y apoyarla mientras que las organizadoras espantadas buscaban al personal de seguridad y hasta a la policía para que bajaran a todos de la tarima.
Los directores se burlan de una sociedad americana obsesionada con unos cánones de belleza que ellos mismos se inventaron, y con la necesidad imperante de ganar ante todo. En esta película se gana perdiendo. Tampoco tuvo un final feliz en el cual el hermano de Olive termina siendo el capitán del equipo de fútbol americano del colegio, el tío desecha su homosexualismo o el padre termina con el empleo deseado. Simplemente todos terminaron por apoyar a Olive en su sueño y a su manera, y en el proceso lograron acercarse más unos a otros. Cero cursilería, cero final de película tradicional, nada de sexo o romances innecesarios, el “underdog” no termina arrasando. Una película sin desperdicio.
Esa es, al menos, mi opinión. Y puedo estar equivocado.
Aunque yo nunca le paro mucho a los Oscars, debo reconocer que este año en particular me gustaron la mayoría de las películas nominadas en los varios renglones. Y esto sucedió por una razón en particular. Casi ninguna de estas cintas estaba signada por la receta hollywoodense mediante la cual uno puede predecir, desde el principio de la película, casi todo lo que va a suceder. No se si seria la presencia de directores extranjeros, o el nuevo auge del cine independiente, pero el leit motif de una buena parte de esas películas (las que yo he logrado ver) lo constituyo la premisa de hacer algo diferente a lo usual. Little Miss Sunshine no escapo a este predicamento.
Una familia totalmente disfuncional en la cual una madre trata de juntar a un abuelo drogadicto, un tío homosexual suicida, un hermano sociópata y un padre perdedor mientras la hija pequeña (Olive) sueña con ser una perfecta Miss América en miniatura y se muestra ajena a la tensa situación que se genera a su alrededor.
Ese grupo familiar tan disímil y totalmente incomunicado entre sí se reúnen en torno a la niña para acompañarla al concurso de belleza que será al otro lado de los Estados Unidos. Es durante este viaje que las diferencias entre todos se acercan, y ese grupo tan falto de esperanza se aglutina en torno al deseo de ver a la pequeña Olive competir. Durante el accidentado viaje sucede todo tipo de cosas que empeoran aún la situación particular de todos en el grupo (el abuelo incluso muere), pero eso no los detiene en su afán de complacer a Olive en concursar.
La secuencia del concurso es excelente. Un montón de niñas maquilladas y peinadas como si fueran misses reales desfilan en el ambiente más frívolo que se pudiese imaginar ante la admiración de sus padres. Olive desde el principio se antoja como desubicada en el grupo. Durante la competencia de talentos, la niña baila una coreografía ensayada con el abuelo, que nadie más conocía, bajo el tema “Superfreak” del recientemente fallecido y problemático Rick James. El atrevido baile, nada apropiado para el evento, causa revuelo entre los almidonados presentes, y hace que la familia completa se suba al escenario a acompañar a Olive y apoyarla mientras que las organizadoras espantadas buscaban al personal de seguridad y hasta a la policía para que bajaran a todos de la tarima.
Los directores se burlan de una sociedad americana obsesionada con unos cánones de belleza que ellos mismos se inventaron, y con la necesidad imperante de ganar ante todo. En esta película se gana perdiendo. Tampoco tuvo un final feliz en el cual el hermano de Olive termina siendo el capitán del equipo de fútbol americano del colegio, el tío desecha su homosexualismo o el padre termina con el empleo deseado. Simplemente todos terminaron por apoyar a Olive en su sueño y a su manera, y en el proceso lograron acercarse más unos a otros. Cero cursilería, cero final de película tradicional, nada de sexo o romances innecesarios, el “underdog” no termina arrasando. Una película sin desperdicio.
Esa es, al menos, mi opinión. Y puedo estar equivocado.
Saturday, January 20, 2007
La reivindicación de un héroe
Field of Dreams (1.989) Phil Alden Robinson
Todo el que me conoce sabe de mi afición por el béisbol. Desde que tengo uso de razón he estado jugando, leyendo, o viendo béisbol. Incluso durante un tiempo escribí una columna sobre béisbol en el diario Noti Tarde de Valencia. También he escrito dos ensayos sobre el tema. Es por eso que las películas sobre este deporte las he seguido con mucho interés, y de todas ellas, Field of Dreams es, si no la mejor, seguramente la mas emotiva de todas.
W.P. Kinsella, quien escribió varios relatos sobre béisbol, incluyendo “Shoeless Joe”, del cual se basa la película en cuestión, nos ofrece a aquellos verdaderos amantes de este deporte la visión de un hombre común quien tiene la oportunidad de ver en el jardín de su casa a los mas grandes jugadores de todos los tiempos. Es un homenaje a Joe Jackson, el famoso “Shoeless” quien a pesar de ser el tercer mejor bateador en promedio de todos los tiempos fue expulsado de por vida del béisbol, en plenitud de facultades, al ser encontrado culpable junto a otros siete miembros de los Chicago White Sox de 1919 por haber entregado la Serie Mundial por unas apuestas. Durante parte de la película, el personaje de Kevin Costner, Ray Kinsella, explica a su pequena hija el porque Jackson fue inculpado injustamente, como para que el publico en general lo sepa. Yo personalmente no tengo opinión formada al respecto. En un momento cumbre de la película, cuando finalmente Jackson aparece en el campo construido en el medio de los maizales solo para el, este le pregunta a Kinsella (Costner) “Is this heaven?” a lo que aquel le responde “No. This is Iowa”. El símil de que el cielo, para un jugador y aficionado al béisbol, no podía ser otra cosa que un campo perfectamente cortado. En un pasaje que para mi es memorable, Jackson se refiere a todo lo que le da nostalgia acerca del béisbol: el publico ovacionando en las tribunas, el olor de una pelota y un guante, la grama recien cortada.
Sin embargo, lo mas importante de la película, fuera de todo ese homenaje al béisbol y la reivindicación a Joe Jackson, lo constituye el final, cuando el propio padre de Kinsella, un jugador de ligas menores muerto hacia anos, aparece en el campo, y se pone a lanzar bolas con su hijo, como habían hecho cuando aquel era niño, y con eso recuperaban una relación que habían perdido mucho antes de la muerte del padre. Esa escena es altamente emotiva, por lo menos para aquellos que amamos este extraordinario deporte.
Esa es, al menos, mi opinión, y puedo estar equivocado.
Todo el que me conoce sabe de mi afición por el béisbol. Desde que tengo uso de razón he estado jugando, leyendo, o viendo béisbol. Incluso durante un tiempo escribí una columna sobre béisbol en el diario Noti Tarde de Valencia. También he escrito dos ensayos sobre el tema. Es por eso que las películas sobre este deporte las he seguido con mucho interés, y de todas ellas, Field of Dreams es, si no la mejor, seguramente la mas emotiva de todas.
W.P. Kinsella, quien escribió varios relatos sobre béisbol, incluyendo “Shoeless Joe”, del cual se basa la película en cuestión, nos ofrece a aquellos verdaderos amantes de este deporte la visión de un hombre común quien tiene la oportunidad de ver en el jardín de su casa a los mas grandes jugadores de todos los tiempos. Es un homenaje a Joe Jackson, el famoso “Shoeless” quien a pesar de ser el tercer mejor bateador en promedio de todos los tiempos fue expulsado de por vida del béisbol, en plenitud de facultades, al ser encontrado culpable junto a otros siete miembros de los Chicago White Sox de 1919 por haber entregado la Serie Mundial por unas apuestas. Durante parte de la película, el personaje de Kevin Costner, Ray Kinsella, explica a su pequena hija el porque Jackson fue inculpado injustamente, como para que el publico en general lo sepa. Yo personalmente no tengo opinión formada al respecto. En un momento cumbre de la película, cuando finalmente Jackson aparece en el campo construido en el medio de los maizales solo para el, este le pregunta a Kinsella (Costner) “Is this heaven?” a lo que aquel le responde “No. This is Iowa”. El símil de que el cielo, para un jugador y aficionado al béisbol, no podía ser otra cosa que un campo perfectamente cortado. En un pasaje que para mi es memorable, Jackson se refiere a todo lo que le da nostalgia acerca del béisbol: el publico ovacionando en las tribunas, el olor de una pelota y un guante, la grama recien cortada.
Sin embargo, lo mas importante de la película, fuera de todo ese homenaje al béisbol y la reivindicación a Joe Jackson, lo constituye el final, cuando el propio padre de Kinsella, un jugador de ligas menores muerto hacia anos, aparece en el campo, y se pone a lanzar bolas con su hijo, como habían hecho cuando aquel era niño, y con eso recuperaban una relación que habían perdido mucho antes de la muerte del padre. Esa escena es altamente emotiva, por lo menos para aquellos que amamos este extraordinario deporte.
Esa es, al menos, mi opinión, y puedo estar equivocado.
Tuesday, November 14, 2006
Cinco segundos que cambian la vida
The Remains of the Day – James Ivory (1.993)
Desde hace 35 años, Berta ha trabajado en casa de mi mamá. Es de esas personas honestas y trabajadoras que dedican su vida entera a una sola familia, integrándose de lleno en ella. Para mi mamá, ha sido como una hermana. Para mí y mis hermanos, como una segunda madre. Salvando las diferencias geográficas, temporales y culturales, Mr Stevens, el fiel mayordomo de esta película, es como la Berta de la familia Darlington. Este personaje (Mr. Stevens) cumple con su cabal labor de servir a su empleador con tanta fidelidad que puede compararse incluso a un sacerdote, que dedica la vida entera a servir a los demás, sacrificando incluso su vida personal y amorosa de manera que no interfiera con la labor para la que fue adiestrado. Es curioso como una película basada en la novela escrita por un japonés (Kazuo Ishiguro) de 26 años y cuyo guión fue adaptado del libro por una alemana de raíces indias, puede transmitir de una manera tan extraordinaria el espíritu británico que envuelve ese ambiente de las mansiones y la nobleza. Esta cinta es recordada por lo general como una película un poco lenta pero con grandes actuaciones por parte de Sir Anthony Hopkins y Emma Thompson. Yo la recordaba así por lo menos. Pero es mucho más que eso. Durante un viaje de trabajo, mi buen amigo Luis Penzini Fleury me hizo un comentario que, al ver la película de nuevo con esa idea en mente, le dio un vuelco por completo a la trama. Es el hecho de cómo un instante de apenas cinco o diez segundos en el que se pudo tomar una decisión, y no se hizo, puede afectar de tal magnitud la vida de dos personas. Durante la primera hora y media Anthony Hopkins (Mr Stevens) nos va develando el carácter de este mayordomo estoico, cuya vida misma está supeditada al confort de Lord Darlington y de sus frecuentes invitados, a mantener en perfecto estado cada mínimo detalle de los miles que conforman la enorme mansión, y a dirigir como un general a ese ejercito de sirvientes con sus deseos e imperfecciones finalmente humanas. La llegada del ama de llaves, Miss Kenton, personificada por la extraordinaria Emma Thompson, con cierta irreverencia ante lo estricto de Mr Stevens, le da un vuelco a la vida de éste. Estos dos personajes, a fuerza de miradas, expresiones faciales y corporales, pequeños contactos, tonos de voz comedidos y frases sin terminar, nos logran transmitir una gran gama de emociones, incluso su amor el uno por el otro. En eso radican las grandes actuaciones a mi juicio. Hopkins será siempre recordado como Hanníbal Lecter, papel por el cual ganó el sobrevaluado Oscar, pero lograr lo que hizo en esta película, sin necesidad de frases altisonantes ni efectistas, y sin necesidad de estar cubierto de sangre, es mucho más difícil. El momento cumbre de la película viene cuando Emma Thompson acorrala a Hopkins en su habitación con la excusa de ver el libro que este tenía entre sus manos. Se le acerca a menos de diez centímetros de su cara, esperando una reacción de aquel. Hopkins por un breve instante piensa en tomarla y besarla, y ella se lo suplica con los ojos, pero finalmente desiste de hacerlo, por timidez o por lo “impropio” de tener una relación con una colega de trabajo. Ese instante en el que Mr Stevens decide no dar el paso marca la vida de ambos. Miss Kenton se casa con otro solo para terminar divorciándose e intentar, veinticinco años después, reencontrarse con Stevens, quien la despide en otra escena memorable y triste.
Las actuaciones de Hopkins y Thompson, como pareja, deben estar entre las mejores en la historia del cine.
Esa es, al menos, mi opinión. Y puedo estar equivocado.
Desde hace 35 años, Berta ha trabajado en casa de mi mamá. Es de esas personas honestas y trabajadoras que dedican su vida entera a una sola familia, integrándose de lleno en ella. Para mi mamá, ha sido como una hermana. Para mí y mis hermanos, como una segunda madre. Salvando las diferencias geográficas, temporales y culturales, Mr Stevens, el fiel mayordomo de esta película, es como la Berta de la familia Darlington. Este personaje (Mr. Stevens) cumple con su cabal labor de servir a su empleador con tanta fidelidad que puede compararse incluso a un sacerdote, que dedica la vida entera a servir a los demás, sacrificando incluso su vida personal y amorosa de manera que no interfiera con la labor para la que fue adiestrado. Es curioso como una película basada en la novela escrita por un japonés (Kazuo Ishiguro) de 26 años y cuyo guión fue adaptado del libro por una alemana de raíces indias, puede transmitir de una manera tan extraordinaria el espíritu británico que envuelve ese ambiente de las mansiones y la nobleza. Esta cinta es recordada por lo general como una película un poco lenta pero con grandes actuaciones por parte de Sir Anthony Hopkins y Emma Thompson. Yo la recordaba así por lo menos. Pero es mucho más que eso. Durante un viaje de trabajo, mi buen amigo Luis Penzini Fleury me hizo un comentario que, al ver la película de nuevo con esa idea en mente, le dio un vuelco por completo a la trama. Es el hecho de cómo un instante de apenas cinco o diez segundos en el que se pudo tomar una decisión, y no se hizo, puede afectar de tal magnitud la vida de dos personas. Durante la primera hora y media Anthony Hopkins (Mr Stevens) nos va develando el carácter de este mayordomo estoico, cuya vida misma está supeditada al confort de Lord Darlington y de sus frecuentes invitados, a mantener en perfecto estado cada mínimo detalle de los miles que conforman la enorme mansión, y a dirigir como un general a ese ejercito de sirvientes con sus deseos e imperfecciones finalmente humanas. La llegada del ama de llaves, Miss Kenton, personificada por la extraordinaria Emma Thompson, con cierta irreverencia ante lo estricto de Mr Stevens, le da un vuelco a la vida de éste. Estos dos personajes, a fuerza de miradas, expresiones faciales y corporales, pequeños contactos, tonos de voz comedidos y frases sin terminar, nos logran transmitir una gran gama de emociones, incluso su amor el uno por el otro. En eso radican las grandes actuaciones a mi juicio. Hopkins será siempre recordado como Hanníbal Lecter, papel por el cual ganó el sobrevaluado Oscar, pero lograr lo que hizo en esta película, sin necesidad de frases altisonantes ni efectistas, y sin necesidad de estar cubierto de sangre, es mucho más difícil. El momento cumbre de la película viene cuando Emma Thompson acorrala a Hopkins en su habitación con la excusa de ver el libro que este tenía entre sus manos. Se le acerca a menos de diez centímetros de su cara, esperando una reacción de aquel. Hopkins por un breve instante piensa en tomarla y besarla, y ella se lo suplica con los ojos, pero finalmente desiste de hacerlo, por timidez o por lo “impropio” de tener una relación con una colega de trabajo. Ese instante en el que Mr Stevens decide no dar el paso marca la vida de ambos. Miss Kenton se casa con otro solo para terminar divorciándose e intentar, veinticinco años después, reencontrarse con Stevens, quien la despide en otra escena memorable y triste.
Las actuaciones de Hopkins y Thompson, como pareja, deben estar entre las mejores en la historia del cine.
Esa es, al menos, mi opinión. Y puedo estar equivocado.
Monday, October 23, 2006
La decadencia de una dictadura
La Fiesta del Chivo (1.999) Luis Llosa
Cuando fuí a ver esta película me encontraba un poco inquieto ante el hecho de que, por lo general, los grandes libros nos decepcionan al ser llevados al cine. Muy pocas veces me he encontrado con películas que hagan honor al texto del cual fueron extraídas. Para mí, tal es el caso de "The Godfather (Mario Puzo)"; "The Right Stuff (Tom Wolfe)" y "The Shawshank Redemption (Stephen King)" por dar algunos ejemplos. Incluso en mi cabeza dudaba que una historia tan compleja por sus ramificaciones y variaciones temporales pudiese ser llevada a la pantalla de forma coherente. Pues Luis Llosa y su equipo de producción anglo-hispano, lo lograron. Transmitir la decadencia de esa dictadura feroz de Trujillo en República Dominicana, donde no solo existía la crueldad y el terror de todo Gobierno dictatorial sino la complacencia de sus dirigentes blandengues y temerosos, no es tarea fácil. Una cosa es expresarlo en un libro de 400 páginas, pero otra muy diferente es transmitirle a un público en dos horas todos esos sentimientos, y alertarlo acerca de los peligros que conlleva el poder absoluto en manos de una sola persona. Por una parte, el casting me parece que estuvo impecable. Tomás Milián nos ofrece a un despreciable y baboso Trujillo ya perdiendo condiciones y poder; el actor inglés Paul Freeman nos regala el mejor papel de la cinta como el patético Cerebrito Cabral, quien entrega como ofrenda a Trujillo la virginidad y la existencia toda de su única hija; Isabella Rosellini como una convincente Urania, desgraciada y desvirgada por el dictador, y por último la joven Stephanie Leonidas como la joven Urania, quien expresa muy fielmente la inocencia que luego pierde dramáticamente en la cama de Trujillo. El reparto es muy bueno, destacando el actor David Zayas como Antonio de la Maza. El meollo del filme/libro lo constituye la relación entre Cabral y su hija, que refleja el verdadero horror de las dictaduras. La decadencia de un régimen dictatorial lleva a sus hombres a cometer cualquier clase de barbaridades con tal de tener los favores del supremo, sin importar las vidas que pueden ser destruídas en el camino. Luis Llosa supo llevarnos de la mano a través de las historias individuales de cada uno de quienes estuvieron involucrados en el atentado, y de como cada uno de ellos, quienes anteriormente habían sido cercanos al Chivo, vivieron situaciones degradantes que los llevaron a cometer el asesinato de su líder.
Buena película, que nos retrata esta dictadura, pero que puede aplicarse a cualquiera de la historia, más o menos sangrienta que en este caso.
E incluso se puede comparar con dictaduras a punto de suceder en nuestros tiempos, para que estemos prevenidos y alertas al respecto.
Esa es, al menos, mi opinión. Y puedo estar equivocado.
Monday, October 02, 2006
El sexto sentido de Shyamalan
The Sixth Sense (1.999) M. Night Shyamalan
Por allá en los años 70/80 se popularizaron una serie de filmes de terror que lograron ser enormemente populares, sobre todo entre el público adolescente y los jóvenes universitarios. Las series "Friday the 13th" y aquella otra "Nightmare on Elm St." cuyos villanos eran Jason y Freddie Kruger ofrecieron sus secuelas año tras año para el disfrute de estos dos grupos de jóvenes (y otros no tan jóvenes) que hacían largas colas para verlas. Me cuento entre aquellos que invitaban a una novia, o candidata a serlo, para intentar agarrar manos, abrazar, e incluso llegar más allá aprovechándose del pánico femenino. Son muchos los noviazgos adolescentes que comenzaron en el preciso instante en el que Jason le clavaba una flecha por el cuello a uno de los deprevenidos co protagonistas de alguna de sus M13.
La trama de estas películas era tan simple y previsible que costaba muy poco hacerlas. Un grupo de muchachos acampaban en el bosque. De noche había un gracioso que contaba cuentos de terror alrededor de una fogata y asustaba especialmente a las muchachas. Luego, mientras algunas parejas se retiraban a sus cabañas o carpas a hacer el amor, comenzaban los asesinatos de las maneras más insólitas, y siempre presentados de tal manera que los espectadores salataran de sus asientos. Al final, la última sobreviviente, toda maltrecha y sangrando por múltiples cortadas, lograba clavarle un punzón en el ojo a Jason y el mismo caía por una ventana, presuntamente muerto. Pero no, el gran carajo no se moría. Cuando llegaba la policía, Jason había desaparecido para prepararse para la próxima secuela de la serie.
El joven drector Hindú M. Night Shyamalan fue capaz de crear, con "Sixth Sense" una pélícula de terror que se basa más que en el terror gráfico, en el sugerido. Una vez que en la película le tomamos el pulso a ésto, nos sobrecogemos con la sola aparición del humo saliendo de la boca del niño, indicación de que hay un espíritu rondando. En la cara de Haley Joel Osment, el director nos transmite el horror que vive el niño gracias a ese don de ver muertos. "I see dead people". Esa frase nos deja congelados. La película está tan bien elaborada que son muy pocas las escenas de "brinco" que nos ofrece (la niña dentro de la carpa), y más bien son las sugerencias de cosas por pasar las que nos mantienen al borde del asiento. No hay exageración en efectos especiales grotescos o sangre, y la música es justo la necesaria. Bruce Willis nos convenció por fin de que es un actor y no solo el héroe de acción de "Die Hard" o el sabrosón detective de "Moonlighting". Y el casting de Haley Joel Osment no pudo ser mejor. El niño tiene no solo dotes histriónicas naturales, sino que posee una cara que está hecha para el cine, sobre todo si son películas de terror o de niños angustiados y traumatizados.
"Sixth Sense" nos muestra que para hacer una película de terror no es necesario recurrir al efectismo barato y a los excesos de sangre falsa. Se puede hacer este tipo de filmes con ingenio e inteligencia.
Ah!, y uno de los mejores finales de películas de siempre. Para mí gusto, es el segundo mejor final de película que yo haya visto.
Esa es, al menos, mi opinión. Y puedo estar equivocado.
